TEATRO SIMBOLISTA. LOS CIEGOS de MAURICE MAETERLINCK‏

Nayi Awada y Tomas Bradley, socios fundadores del Teatro Bar Hasta Trilce, estrenan Los ciegos,  pieza del belga Maurice Maeterlinck (1862-1949).

El estreno de Los Ciegos es la primera producción propia del Teatro Hasta Trilce, el mismo se llevará a cabo el próximo viernes 1 de abril a las 21 horas en Maza 177.

Un bosque en una isla rodeada por el mar donde doce ciegos esperan al guía que los llevó hasta allí. Hacia el fondo de la noche, está sentado el sacerdote, muerto. Sentados sobre piedras, la mayoría espera. Alguien o algo se acerca a ellos en la oscuridad, los ronda, pero nunca entra a escena, permanece en silencio. El bosque semeja la gran tumba de estos muertos-vivos.  Sólo les contesta el silencio de una presencia misteriosa entre ellos que no pueden descifrar. 

El Teatro HASTA TRILCE se inicia a mediados de 2012 como un espacio de investigación y creación artística que centra su producción en el desarrollo de las disciplinas teatrales y musicales, incorporando el pensamiento filosófico. Creemos fervientemente que este cruce interdisciplinario puede proporcionar respuestas interesantes al momento de la creación.
Hasta Trilce nace por y para el teatro independiente y es uno de sus objetivos principales aportar para su desarrollo. Hasta el momento hemos dado lugar a coproducciones y producciones de diferentes compañías, esperando el momento de realizar la primera producción propia de una pieza fundamental en la historia y el desarrollo del teatro. Nos proponemos investigar y combinar filosofía, arte y tecnología en alternativas escénicas para el tratamiento artístico de lo trascendente-inmanente,  los misterios de la existencia y las posibilidades del Arte de interpelar ese aspecto del estar en el mundo. 
Para eso elegimos “Los ciegos”,  estrenada originalmente en 1891 en el Théátre d'Art de París y considerada la obra canónica del simbolismo. Revisar a Maeterlinck es poner en tela de juicio los supuestos logros de un teatro naturalista que se proponía revelar “las profundidades del alma humana” sondeando la vida tal cual se la percibía en la cotidianeidad. Llevar a escena “Los ciegos” es aventurar una réplica a aquella concepción.
La justificación dramática del uso de recursos tecnológicos en “Los Ciegos” se encuentra relacionada directamente con el tema que propone y con la forma en la que lo hace. Dentro de una puesta que a primera vista se muestra realista, incorporamos una coreografía que incluye todo lo que hay en escena, respetando la economía de movimientos que caracteriza al teatro estático, dando cuenta de la unidad y organicidad de ese universo escénico, que no pretende ser sino una metáfora del que habitamos en nuestra propia cotidianeidad.
Esta puesta de “Los Ciegos” por parte de Hasta Trilce, intenta al mismo tiempo retomar el viejo uso del teatro simbolista de presentar lo metafísico y el de oponerse a un teatro de pretensiones realistas. Sobre eso, la propuesta contiene una superación de los postulados del teatro simbolista canónico, redefiniendo una estética y el modo en que en estos tiempos se puede pensar y sentir lo Trascendente.
Sobre los directores
NAYI AWADA y TOMAS BRADLEY se cuentan entre los fundadores del espacio HASTA TRILCE y llevan un recorrido en común, en el marco del grupo de teatro y música “LA LIJA”, fundado junto a otros artistas en 2006.- Son editores de la Revista Independiente La Segunda práctica, publicación que pretende pensar en términos artísticos y políticos sobre las posibilidades de las disciplinas que se desarrollan en Hasta Trilce, principalmente la música y el teatro.
NAYI AWADA es actor y director, formado en la escuela de Agustín Alezzo y se encuentra desarrollando su tesis de licenciatura en la carrera de filosofía de la Universidad de Buenos Aires sobre textos de Gilles Deleuze.Como actor participó en la obras del grupo La Lija, en “Los malditos”, tragicomedia basada en "La fiesta del hierro" y otros textos de Roberto Arlt, bajo la dirección Adrián Blanco, Centro Cultural de la Cooperación, como productor técnico y artístico en “Bromas y lamentos”, espectáculo basado en composiciones de Monteverdi y Cavalli con idea y dirección de Marcelo Lombardero. Como asistente de dirección en “Almuerzo en la casa de Ludwig W.” de Thomas Bernhard, con dirección de Carlos Peláez.Coordinador del seminario “El arte entre la modernidad y laposmodernidad”.
TOMAS BRADLEY es escritor, director y músico. En el marco de “LA LIJA” participa de la escritura, dirección, puesta en escena y ejecución musical de la obra de teatro “¡No pasarán! (Elegía de la República)” en la que, utilizando la técnica del collage y tomando sus elementos de la literatura, la imaginería y la música del período de la guerra y posguerra civil española, narraba la historia de este evento histórico desde una perspectiva republicana, con la participación de 40 actores en escena y 16 músicos. Escribe y dirige las obras cortas “Postal del fuego con mucama peronista” y “Luciérnagas para un viejo cura”. En “Alas para una mula”, obra de teatro y música de temática metafísica y “El cumpleaños de Simón” performance multitudinaria (150 artistas de las más variadas disciplinas -teatrales, músicos, circo, clown-) desarrollada a pedido de la Comisión por la Verdad la memoria y la justicia de Zona norte. Esta performance le vale un premio de dicha Comisión.- Escribe y dirige “Fuga sobre un trozo de tela” en esta obra, como en todas las obras de la compañía la Lija, también interpreta diversos instrumentos dentro de la orquesta.Participa de la composición del repertorio de la orquesta “La lija”, la grabación de su primer disco “Saluda primero dispara después” y sus giras por el interior de la Provincia de Buenos Aires y el Uruguay.-
Participó como actor y músico en la obra de teatro “No antes del Mediodía”, presentada en la Provincia de Buenos Aires y en Uruguay.
Desarrollo y grabación del disco “Carcelaria”, recopilación de material musical de internos carcelarios. Este disco fue incorporado por el Ministerio de Educación como complemento para el estudio de la situación social en los colegios secundarios del país. Contó con el apoyo de León Gieco, Ana María Giunta y Miguel Angel Estrella.
Productor artístico del documental “Fortalezas”.
En 2005 recibe el primer premio del concurso de la editorial Baobab por su Cuento “Santiago y la Luna” y en 2006 recibe el segundo premio del concurso de poesía de la municipalidad de la ciudad de Córdoba por su poema “Todos aman a los poetas”.- En 2010 recibe el primer premio del concurso literario “Camilo Cela” de la municipalidad de Vigo por su poema “La esfinge”.-
Es cofundador de la Fundación Medio Camino, encargada de asistir a presos  liberados en su reinserción, y ocupa la vicepresidencia los primeros dos años, y se desempeña como profesor de historia y filosofía en los penales de Florencio Varela, unidades 24 y 32, penal de Olmos, Instituto correccional Almafuerte y Dr. Luis Agote.  También realizó tareas de investigación y recopilación de “Art Brutt” en Instituciones Psiquiátricas, el leprosarioSommers, penales y niños en estado de calle.

Ficha artístico técnica: 
Elenco: Agustina Yacachury/ Carlos Vilaseca /Horacio Vay /José Luis De Giano /Juan Manuel Casavelos / Julieta Koop/ Luciano Moreno/ Macarena del Corro/ Miguel AngelVigna/ Nancy Micheloni/Norma Kania Glozman/ Romina Almirón

Dirección y puesta en escena: Nayi Awada y Tomás Bradley
Asistencia de dirección: Andrea Bouhier
Asesoramiento coreográfico: Ignacio González Cano
Intervención electrónica/ lumínica: Daniel Sánchez
Diseño de escenografía y vestuario: Marcelo Valiente
Realización escenográfica: Maite Corona - Ileana Vallejos - Andrés Bailot.
Realización de vestuario: Magalí Salvatore - Natalia Suárez.
Diseño de texturas y telón: Mae Bermúdez.
Tallas anatómicas: Marcela Alonso.
Diseño de luces e iluminación: Sergio Iriarte
Música: Sebastián Bradley/ Tomás Bradley/ Maximiliano Martinez                                                       
Sonido: Maximiliano Martinez
Producción general: HASTA TRILCE producciones
Producción ejecutiva: Andrea Bouhier

Prensa: Simkin& Franco 

Lisandro Aristimuño cierra el año en el Gran Rex

 

El músico, compositor y cantante Lisandro Aristimuño regresa al Teatro Gran Rex para concluír el 2014 con su extensa gira que lo llevó a recorrer gran parte de Argentina presentando Mundo Anfibio su más reciente trabajo discográfico. La cita será el próximo 12 y 13 de diciembre a las 21horas.

Desde el lanzamiento de “Mundo Anfibio” ya llenó 4 veces este prestigioso teatro y con entradas agotadas visitó Cipolletti, Bahía Blanca, Luis Beltrán, Rosario, Mendoza, Capital Federal, Santa Fe, Haedo, La Plata, Mar del Plata, Córdoba, Paraná, La Pampa, Neuquén, Bariloche, Viedma y San Luis. Llevando también sus canciones a San Juan, Salta, Tucumán, Santiago del Estero, Tandil, Tigre, Río Cuarto, San Nicolás, Chaco, Corrientes y El Calafate. Además de Uruguay, Chile, Brasil, Colombia, Perú, Bolivia y México.

Durante el mes de agosto se presentó en Neuquén, Bahía Blanca, La Plata y Mar del Plata. En todos los casos con entradas agotadas.

En septiembre lo hizo en San Pablo, Brasil y el 10 de octubre en Montevideo a sala llena en formato acústico (set solo + cuerdas). Luego de visitar Luján, Chivilcoy, Viedma y Tandil, el 8 de noviembre lo hizo nuevamente en La Plata agotando por segunda vez en el año el Teatro Municipal Coliseo Podestá.

Después de co-producir“Maldigo”, el último disco de Liliana Herrero (que fue distinguido con el Premio Gardel 2014 como “Mejor Álbum Artista Femenina de Folklore”),actualmente se encuentra produciendo el nuevo disco de Fabiana Cantilo.

Desde la independencia y la autogestión, por su coherencia artística y la originalidad de sus canciones, las presentaciones en vivo cuentan con el reconocimiento de la crítica especializada, la explícita ovación del público y el elogio de sus pares. Junto a su banda, los “Azules Turquesas” fusionan en vivo sonidos electrónicos, instrumentos acústicos, programaciones y arreglos de cuerdas, en el marco de una imponente interpretación musical y puesta en escena.

El año pasado ganó por segunda vez el Premio Gardel (ya lo había conseguido en 2010 con su 4to álbum doble “Las crónicas del viento”) distinguiendo en 2013 a “Mundo Anfibio” como mejor álbum de rock pop alternativo, disco que agotó rápidamente su primera edición, fue reeditado y nominado también a los Grammy Latinos 2012. A través de “Viento Azul”, su propio sello discográfico, donde edita toda su obra. También el reciente boxset de colección, la “Trilogía Especial Aniversario” (nominado a los Premios Gardel 2014 en la Categoría “Mejor Colección Catálogo”), edición que conmemora y sintetiza 10 años desde la salida de “Azules Turquesas (2004)” su primer disco. Además de este álbum contiene “Ese asunto de la ventana (2005)” y“39 (2007)” junto a un documento fotográfico inédito y el detalle de todas las letras.

En www.lisandroaristi.com puede verse todos sus videos oficiales y las últimas noticias. Acceder a la venta digital de sus discos y escuchar el servicio M.S.F.L (Música sin fines de lucro), proyecto que LISANDRO creó especialmente para compartir y dar a conocer la obra de nuevos compositores.

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BOX SET Trilogía Edición Especial

ANIVERSARIO (10 años)

NOMINADA A LOS PREMIOS GARDEL 2014

MEJOR COLECCIÓN CATÁLOGO

Incluye los discos:

AZULES TURQUESAS (2004)

ESE ASUNTO DE LA VENTANA (2005)

39º (2007)

Edita: Viento Azul discos

En todas las disquerías.

LISANDRO ARISTIMUÑO

DESPEDIDA DEL AÑO

VIERNES 12 Y SÁBADO 13 DE DICIEMBRE / 21 hs

TEATRO GRAN REX

CIERRE DE GIRA 2014

Entradas a la venta en boletería (Corrientes 857) y por Sistema Ticketek.

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Más información oficial y contenidos especiales:
www.lisandroaristi.com
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Entrevista con Analía Fedra García

“Si sé cómo tengo que dirigir una obra, no la hago”

Por Charly Zárate

Se lanzó a dirigir un texto de un autor polémico y difícil de poner en escena, pero su tenacidad como directora sumado a un elenco de sólidos y talentosos actores lograron una brillante versión de “Greek”( A la griega), del londinense Steven Berkoff.

La obra se presenta los sábados y domingos en el Centro de la Cooperación, y desde hace varias semanas se pueden ver colgados los “codiciados” cartelitos de localidades agotadas. Es que la directora Analía Fedra García, no solo entendió cómo desentrañar la dramaturgia de Steven Berkoff de forma admirable, sino que ha elegido a cuatro personas que supieron elevar un prodigioso texto de manera integradora y glandular sobre sus cuerpos de actores. Ellos son Ingrid Pelicori, Martín Urbaneja, Horacio Roca y Roxana Berco.

CZ: ¿Cuándo llegó el universo de Berkoff a chocar con el tuyo?

AFG: Después de haber dirigido “Chiquito”, empecé a leer muchas obras para ver cuál era la siguiente. Fue Luis Cano quién me sugirió que lo leyera porque era un autor interesante. Si bien la que siguió fue “El nombre” de Jon Fosse, ya era un texto que comenzaba a tomar forma de proyecto en esa época.

CZ: ¿Qué fue lo que te atrapó de aquella primera lectura?

AFG: En principio, toda la cuestión mitológica y lo relacionado al mundo griego siempre me atrajo. El humor negro y procaz de Berkoff me divierte muchísimo. Además, es una obra muy vertiginosa, que me hizo transitar por distintos estados de ánimo durante la lectura. La decisión de querer hacerla fue tratar de generar con el espectador ese diálogo fluido que yo mismo había experimentado. Aunque después uno no sepa lo que sucede, ya que eso nunca se sabe. Pero la búsqueda tenía que ver con eso.

CZ: Como espectador, mi sensación tras la obra fue de un cansancio absoluto. Sentí que la obra me traspaso por diferentes zonas…

AFG: Heiner Müller , un autor alemán obsesionado por Shakespeare , el creador de “La Maquina Hamlet”, decía que las obras shakesperianas son como un animal orgánico que se va transformando. Esa comparación de los comportamientos que él hace también la advierto en el texto de Berkoff, ya que te ataca, se distancia, te envuelve, te escupe, te ama, te mata. Comportamientos animalescos que traspasan al espectador y lo dejan en ese estado que vos contas.

Con "Chiquito" ganó premios y reconocimiento

CZ: ¿Qué debe tener un texto para que elijas llevarlo a escena?

AFG: Cuando leo una obra si sé cómo hacerla directamente la abandono, no la hago. Con este texto tuve una atracción muy grande, pero a su vez una incertidumbre aún mayor de no saber cómo hacerlo. En los trabajos que he realizado hasta ahora siempre me incliné por elegir textos que transformen el proceso de ensayo en una búsqueda intensa que me lleve a indagar y bucear en mares profundos.

CZ: ¿Cómo se fue conformando ese cuarteto de actores y cuál fue el criterio de búsqueda?

AFG: Al primero que convoqué fue a Martín Urbaneja y él me recomendó a Roxana Berco. Para los otros dos actores busqué un poco más, porque es un arduo camino no solo encontrar con quien uno quiere trabajar sino que también coincidir que esas personas puedan. Me focalicé en buscar actores de teatro, y se conformó un grupo muy homogéneo en ese sentido, con un hilo conductor en común que fue la entrega absoluta con la que han trabajado en todo el proceso de ensayo que fue bastante acotado, ya que arrancamos en enero y a mitad de marzo ya estábamos estrenando. Todo fluyo de manera armoniosa y se armó un equipo maravilloso, con una gran interrelación e intercambio generoso entre los actores. La apertura al diálogo prevaleció ante todo y las ganas de exponer un trabajo en común.

CZ: Con el único de ellos que habías trabajado fue con Martín Urbaneja en “Chiquito”, ¿qué cambios destacas de su labor como actor?

AFG: Pasaron varios años y ambos hemos cambiado bastante. Martín tiene una gran intensidad como actor, además de un nivel de entrega tremendo. Es de esos actores que se pone la camiseta y da todo de sí para llevar adelante el proyecto que le toque encarar, y eso se agradece.

CZ: La obra es muy polisémica en su totalidad. ¿Por dónde te llegó con mayor profundidad?

AFG: Lo que más me interesa es cómo interpela al público con preguntas y la forma en que lo va poniendo en jaque. Quizás no me seduce tanto la postura que toma con respecto a Margaret Thatcher, sino qué preguntas nos hace como personas, especialmente las que tienen que ver con la dignidad del hombre, el amor y las etiquetas que se le pone a ciertas relaciones, y cómo eso se va enquistando en la sociedad . En el prólogo del texto, Berkoff plantea que para nosotros es totalmente natural que un hijo mate a la madre pero nos parece inconcebible que un hijo ame a la madre. Esto es una provocación que te interpela pero, a su vez es, está formulando una pregunta.

CZ: De cierta manera, el texto se va estructurando con estas interpelaciones constantes…

AFG: Totalmente. Igual que en toda la obra plantea la cuestión acerca de qué acción se está llevando a cabo; si es una acción destructiva o una destructiva/constructiva amorosa. Esas son dos líneas que lo traspasan todo y nos va llevando de un extremo a otro de reflexión.

" Nadie tiene el valor absoluto ni supremo para determinar o juzgar el amor "

CZ: En el epílogo se germina una suerte de legitimación del incesto, revirtiendo el desenlace trágico que instala Sófocles sobre el mito de Edipo…

AFG: Eso lo hemos charlado bastante con Ingrid, ya que la civilización occidental se forma a partir del tabú del incesto, entonces la provocación que esgrime Berkoff es instaurar sobre esa idea que insertó el gen de violencia en el hombre. Y termina haciéndonos reflexionar si no era mejor el incesto y volver a aquel estado de naturaleza primigenia.

CZ: “Es el amor, no importa la forma que tenga”, simple y contundente, ¿no?

AFG: Es que es así. Nadie tiene el valor absoluto ni supremo para determinar o juzgar el amor que se tienen dos personas.

CZ: Y lo interesante de ese axioma es que excede al amor fraterno, y se aplica para cualquier clase de amor diverso…

AFG: En eso me parece que rescata algo que esta bueno para repensar y ponerlo en dialogo con el público.

CZ: ¿Cómo fue tu formación?

AFG: Estudié cuatro años de actuación en Andamio 90 cuando aún estaba Alejandra Boero, y luego continué mi formación con Juan Carlos Gené y Verónica Oddo. Fue allí dónde me motivé con la dirección, y luego decidí entrar de lleno en el IUNA a perfeccionarme en esa área. Ahora estoy haciendo un doctorado en artes en la Universidad de La Plata. Además trabajo en el IUNA como ayudante de Luis Cano, en la cátedra de Dirección IV.

CZ: ¿Qué rol jugó tu familia en aquel proceso de vocación artística?

AFG: En realidad yo iba a ser bióloga, de hecho cursé los primeros cuatro años de la carrera. Quería ser como Jack Cousteau (risas). Si bien el cambio fue radical, hay algo que emparentaba ambas vocaciones y que tiene que ver con indagar e investigar que son procesos que me fascinan. Pero como soy muy decidida y determinante, la familia se acoplo a mi nueva elección.

CZ: ¿Qué representa para vos el teatro?

AFG: El teatro para mí es un lugar donde poder encontrarse y compartir. Por eso intento buscar siempre obras que entren en diálogo con el público, para potenciar ese vínculo. Me parece maravilloso que estemos cien personas compartiendo un momento único y que nunca se repite. Y hoy en día, donde tanta tecnología está al servicio de fomentar el individualismo del hombre, ser parte de un espacio colectivo como el teatro me llena de plenitud.

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Ellos por ella

Martín Urbaneja

Es el protagonista de la obra y a quién le ha tocado la tarea más difícil desde su personaje, porque tiene muchos cambios entre las escenas, y eso se da de forma instantánea y sin transiciones. No es una obra realista que permite tomarse sus tiempos, todo lo contrario, aquí se va de un extremo al otro de manera fugaz. Martín ha logrado encararlo de forma versátil y con mucha ductilidad. Además, él tiene un nivel de intensidad absoluto y el trabajo corporal que realiza en Greek es muy esforzado físicamente.

Horacio Roca

A él lo había visto en “La soledad de los campos de algodón”, donde realizó un papel impresionante con ese texto de Bernard Marie Koltés que también es un autor muy difícil de transitar. Es un gran actor de teatro, muy detallista en todo lo corporal y profundo en cuanto a la exploración del texto. Al igual que el resto, él se abrió a trabajar e indagar en algo que nadie sabía de entrada cómo era. Estuvo muy abierto al diálogo y a dar mucho de su experiencia pero también a recibir de lo que se proponía desde el grupo.

Roxana Berco

A Roxana llegué a través de Martín Urbaneja, fue él quien me propuso que le parecía interesante que ella hiciera de su mamá, y tiene una combinación de algo muy maternal y a la vez una calidad muy sensible. Entonces, esa combinación me pareció interesante, además que es una mujer muy atractiva como para hacer de la mamá de Eddy. Físicamente al verlos juntos me pareció que daba muy bien en la dupla con Martín, en ese doble rol filial y amoroso. A ella no la había visto nunca trabajar, en este caso hice confianza ciega.

Ingrid Pelicori

Ella es una de las mejores actrices que tenemos. Muy minuciosa y delicada en su labor actoral. La primera vez que la vi actuar fue junto a Juana Hidalgo en "Ceremonia a la hora del té" y me encantó. Lo que tiene Ingrid es mucha claridad sobre cuál es la actuación que la obra está pidiendo. Ella hace mucho análisis del texto e investiga de lleno en la actuación. Tiene una actitud muy activa y atenta como actriz, lo cual le permite entender pronto cuál es la línea que se marca desde la dirección. Además, como ha transitado tantos autores distintos y de diferentes estilos, tiene un entrenamiento tan prodigioso que le permite encarar roles totalmente diferentes sin caer en tironeo de ningún tipo y con una capacidad de entrega asombrosa.

GREEK

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543

Funciones: viernes y sábados 22:45

Entrevista con Alejandra Radano

“En el arte encuentro casas más habitables”



Por Charly Zárate

La cantante y actriz que ha transitado una exitosa carrera en el exterior, hace escala en Buenos Aires para presentar “Delirio Gaucho”, su nuevo espectáculo donde rescata versiones inexploradas de canciones con poéticas surrealistas y aires de campo.

Bajo la aceitada dirección de Fabián Luca, este binomio que deslumbró con “Danza maligna”, “Canciones degeneradas” y “Tango Reviü”, vuelve al ruedo con un repertorio que nos invita a viajar en el pasado con una estética singularmente futurista. Ellos dicen que una tarde de tormenta tropical decidieron elegir un “ramillete de melodías olvidadas” que antaño entonaron intérpretes como Imperio Argentina, Alady, Ada Falcón, Carmelita Aubert y Ginamaria Hidalgo, entro otros.

Podría decirse que “Delirio Gaucho – Canciones del interior” tiene su precedente, en cuanto a una arquitectura conceptual que sostiene ideas fragmentadas en un imaginario musical y teatral, en “La inhumana”, espectáculo que Radano presentó hace dos años, también en el Centro de la Cooperación.

Alejandra Radano debutó en 1990 en el “Drácula” de Pepe Cibrián. Luego, asumió roles principales en varios de los clásicos de la comedia musical americana, como “Cats”, “Beauty and the beast”, “Chicago” y “Cabaret”. En el Teatro General San Martín encarnó a Polly Peauchman en “La ópera de tres centavos” de Brecht & Weill.
De su trayectoria también se puede destacar que participó como invitada del Festival Internacional de Tango de París 2003. En la Ciudad Luz, trabajó bajo la dirección de Alfredo Arias en “Concha bonita”, “Relaciones tropicales”, “Divino amore”, “Tatuaje”, “Cabaret Brecht Tango Broadway” y “Tres tangos”. En Alemania, trabajó junto a Hanna Schygulla en la ópera de cámara “Tango mon amour”, del compositor Jorge Zulueta.

Hace pocos días concluyó sus participaciones especiales en el espectáculo músical "Babooshka", donde acompañaba en algunos temas a su amigo y compañero Carlos Casella, con quien ya habían compartido escenario en otras obras.

Una mañana lluviosa nos cruzó en un porteño bar de Boedo. Ella es amable, muy dulce al hablar y espontánea. A cara lavada se vislumbra una mujer de atractiva belleza. Cada respuesta esta hilvanada por su arte, allí anida con placer y cuesta correrala hacia otro lugar, ella asegura que "hay algo de la verdadera realidad que no le interesa".

"Mi formación es ecléctica"

CZ: ¿Cuándo surgió la idea de hacer "Delirio Gaucho"?

AR: Cuando se realizó el Festival Internacional del Tango en París, dos de las cantantes convocadas para ese proyecto habían quedado embarazadas, entonces me invitaron mí. Fue una sorpresa muy grande porque no soy cantante de tango, en realidad soy cantante de teatro musical. Allí me enfrenté por primera vez con el repertorio campero, compuse un tango con guitarras y mi voz hizo empatía con ese material. Le propuse a Fabián Luca que abordemos ese repertorio a través de mi personalidad; empezamos a juntar todo este material y así se armó el espectáculo.

CZ: ¿Fue complejo el proceso?

AR: Es bastante complicado el repertorio de canciones, porque ellas necesitan una maduración determinada. Si bien hemos estrenado la versión teatral en el Centro de la Cooperación, ya veníamos haciendo la versión recital en Clásica y Moderna y en el Festival Cervantino en Azul. Esto nos permitió recorrer el material y aprehenderlo con mayor solidez.

CZ: ¿Cuál fue el criterio de selección para las canciones?

AR: El surrealismo es el lazo que las une, pero luego se fue armando una genealogía natural entre las canciones. Todo tiene que ver con un hilo conductor bastante subterráneo, porque no se relacionan a través de una historia en común sino a través de otras cosas.

"Mi voz es mi vestimenta"

CZ: ¿Qué sabés del origen y destino de esas canciones cuasi desconocidas?

AR: Sinceramente investigué mucho sobre cada una de ellas. Por ejemplo, Carmelita AUbert tiene un solo disco editado por un sello español que se llama justamente El delirio, al igual que Alady (El Rey del Music Hall español), pero son canciones muy raras que nunca se las escuché a ningún otro intérprete. Los años ‘30 fueron épocas muy delirantes en cuanto a la producción, las letras y las performances.

CZ: ¿De dónde surge el título del espectáculo?

AR: Es un homenaje al tango homónimo de Alfredo Eusebio Gobbi, que fue un artista del varieté porteño, muy avanzado para la época y que abrevó en todos los estilos, viajó mucho y formó un famoso dueto cómico con su esposa. Ellos diseñaron una postal de nuestra identidad. Nosotros no somos “el tango”, sino una versión desmembrada y nos nutrimos de otros eslabones. Por eso Ramón Salina que es el bailarín folklórico del espectáculo, es como un pedazo de tierra, alguien puro que viene de tierra adentro. Parece salido de una pintura de Molina Campos. Todos esos detalles fueron construyendo el discurso interno de este proyecto.

CZ: ¿Hubo un delineamiento o concepto dramatúrgico?

AR: Puede ser, pero insisto que tiene que ver más con ese hilo que es bastante subterráneo y que tiene que ver con cosas que suceden en la mente. Es desde allí donde uno puede cambiar esa música y poner otra, eso tiene que ver con usar una idea interna de uno sobre las cosas.

CZ: ¿Cómo fue diseñada la puesta en escena?

AR: La trabajamos juntos con Fabián Luca, fue él quien planteó ese espacio escenográfico y a partir de ahí fuimos construyendo. De alguna manera el espectáculo es como una postal, y para mi tiene que ver más con la idea de un recital iluminado que con un espectáculo teatral.

CZ: ¿Cómo aparece mezclado lo extraterrestre?

AR: En parte, tiene que ver con la fantasía que se ha creado sobre La Pampa, pero también las canciones mismas nos fueron llevando a esos lugares. Si prestas real atención a las letras parecen escritas por extraterrestres. Todo lo que hicimos sale de las canciones, lo que nos proponía la música y lo que nos sugerían esas palabras.

"El surrealismo es el hilo conductor en Delirio Gaucho"

CZ: Me pareció fabuloso ese intermezzo con el monólogo de Juan Verdaguer…

AR: Es que de alguna manera se engarzó con la propuesta. Me gusta mucho cuando Verdaguer dice que "el humor tiene tres vertientes: el ridículo, la exageración y la suegra”, igualmente más allá de ser un homenaje este monólogo que rescatamos, reconozco que también fue una figura bastante misógina. Lo que el habla sobre las mujeres es bastante terrible. Sobre la suegra se han ocupado de escribir bastante. Yo solo hice una selección de sus chistes pero hay peores. Pero de alguna manera hay algo que se muestra en relación a ese gaucho que recreamos. Es que el gaucho como es una figura dominante y relega a la mujer. De allí surge también la idea de que la mujer que se revela es vista como un extraterrestre.

CZ: ¿Desde dónde te traspasa lo gauchesco?

AR: Las canciones son como textos teatrales. Uno actúa con la voz que es como una vestimenta que te pones. Desde ese lugar hago empatía y puedo aplicar mi voz al enfrentarme con este material.

CZ: Estar sosteniendo un espectáculo tan minucioso y detallista, donde todo esta sincronizado, requiere un nivel de exigencia muy alto, ¿cómo lo transitas en escena?

AR: Eso conlleva un entrenamiento que me gusta y que tiene que ver con el tipo de lenguaje de la danza, donde se destaca la precisión y pulcritud de los movimientos.

CZ: La estética es algo que te atrapa, ¿no?

AR: Para mi la estética es fundamental. Hay un lugar en el cual la real realidad no me interesa. En el arte encuentro casas más habitables.

    

"Tuve una infancia bucólica"

CZ: ¿Cómo fue tu formación?

AR: Fue bastante ecléctica. Siempre fui muy inquieta artísticamente, incluso hubo un momento en el que viví mucha angustia porque no sabía qué era lo que tenia que hacer ya que todo me gustaba. Ahora soy más ordenada y entiendo un poco más. Pero igual creo que este camino que elegí requiere que uno abreve en todas las disciplinas posibles.

CZ: ¿Cómo te vinculaste con Alfredo Arias?

AR: Cuando estaba haciendo “Drácula”, Pepe Cibrián me llevó a ver “Familia de artistas”, allí conocí la obra de Alfredo, donde estaban Iris Marga, Lía Jelín, Marilú Marini, Norma Pons entre otros. Pasaron diez años, hasta que Ricky Pashkus lo invitó a ver “Chicago”, y luego de eso Alfredo me invita adicionar para una comedia musical que montó en Paris. Fue una experiencia increíble y de gran aprendizaje lo que viví artísticamente a su lado y lo que seguiré aprendiendo. 

CZ: ¿Tiene algún otro proyecto juntos?

AR: Claro, en agosto estrenamos en en el mítico Teatro de Montparnase en París dos espectáculos, uno llamado “Cinelandia”, que esta basado en tres películas argentinas, y el otro “Hermanas Peralta”, donde comparto escenario con Sandra Guida como duetistas, haciendo un recorrido bastante ecléctico sobre el repertorio de dúos famosos.

CZ: Hace poco se cumplieron 20 años de aquel histórico estreno de “Drácula” en el Luna Park donde vos entrabas a esta profesión por la puerta grande a través del personaje de Ninette, ¿nos regalaría algún recuerdo de esa época?

AR: Me acuerdo de toda esa locura, de las audiciones y de que a todos los que estuvimos allí nos ha cambiado la vida totalmente. Tengo muy buenos recuerdos de Pepe, él es de la vieja escuela del teatro que te enseña la disciplina sobretodo. El momento que rescato siempre fue un día que estábamos con Pepe en el sector más alto de la popular del Luna Park y me dice “mira…”, estaba todo el estadio vacío, y fue una sensación absolutamente indescriptible presenciar esa inmensidad del lugar donde estábamos. Esa fue una foto de la ambición que él tenía y que luego se tradujo en algo palpable.

CZ: Delirio gaucho también es disco…

AR: Así es, he acariciado otro gran sueño. Este es mi primer disco como solista y allí están todas las canciones que interpreto en la obra. Fue un trabajo muy arduo realizado con Diego Vila, con quien comenzamos a vincularnos a partir de “La Opera de Tres Centavos”; él es un músico inmenso y una persona extraordinaria.

CZ: ¿Podrías definir tu imaginario artístico?

AR: El paisaje mental es lo que uno construyó de lo que pudo procesar del paisaje exterior. Tuve una infancia muy fabulosa y he construido a partir de allí. Vivía en una casa que tenía un jardín enorme lleno de arboles, plantas acuáticas, tréboles y violetas. Mi abuela tenía mesas por todo el patio llena de cactus exóticos y coloridos... En pascuas traían los corderos y los degollaban delante de nosotros y para mi era fabuloso ese mundo. Me veo corriendo detrás de las gallinas sin cabezas después que mi abuela se las cortaba... Tengo una anécdota de cuando tenía cuatro años y mi hermano dos, que nos ataban arriba de los pavos reales y hacíamos carreras montados en esas aves. Después de esa infancia bucólica... Delirio gaucho.

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DELIRIO GAUCHO
CANCIONES DEL INTERIOR

Intérprete: Alejandra Radano
Guitarras: Los primos Gabino: Nacho Cabello, Juan Pablo Esmoklew, Esteban Tibiruiz
Bailarín: Ramón Salina
Idea: Fabián Luca y Alejandro Radano
Ambientes y Música Incidental: Diego Vila
Fotografía: Eduardo Torres
Cover Art: Fabián Luca
Iluminación: Gonzalo Córdova y Fabián Luca
Escenografía/Vestuario/Dirección: Fábián Luca



# Todas las fotografías de la obra Delirio Gaucho corresponden a la artista Candela Krup. Los invitamos a recorrer más de su maravilloso arte entrando a su universo: http://candelakrup.blogspot.com.ar/

Entrevista a Luciano Ricio

Trilogía Ricio

Por Charly Zárate

Hace once años que llegó de Pergamino a la Gran Ciudad, "me vine para esto...", dice Luciano Ricio mientras nos muestra orgulloso los tres flyers de las obras que lo tienen como actor: "Lima Japón Bonsai", "Shopping and fucking" y "Hundan al Belgrano". Y como si eso fuera poco, también nos habla de “La temporada de liebres”, el nuevo proyecto en el cual debutará como director.

Había que transitar la trilogía de sus obras para llegar a su encuentro. La tarea no fue dura, y se disfrutó con gran placer cada uno de los momentos con este actor de singular talento. Uno de los rasgos más interesante es percibir las notas de intuición y ductilidad que resuenan en la diversidad de los personajes encarados: un campesino peruano enamorado, un marinero inglés montado en tacones de aguja y un joven bisexual envuelto en una historia de crudeza extrema. Le decimos Trilogia Ricio, pero se trata de proyectos independientes entre si. El hilo conductor que las atraviesa es la verosimilitud que logra Luciano Ricio en cada uno de ellos.

Si bien curso algunos años de dirección en el IUNA, Luciano asegura que no comulga con la vida del arte escénico entre las paredes academicistas, prefirió entrenar su Ser actor en otros ámbitos como el Sportivo Teatral, donde se formó en los talleres y seminarios que dictan Ricardo Bartis y Mirta Bogdasarian. "Aprendí mucho en la cancha que es el escenario, no necesito tener un título donde diga que soy Licenciado de actuación para creerme actor."

Nos encontramos en uno de sus bares predilectos del barrio del Abasto, donde se encuentran las salas en los cuales de viernes a domingo presente sus tres obras. Cuando se le pregunta porqué hace teatro, Luciano responde entre risas y levantando una botella de cerveza “para luego venir acá con mis amigos actores y tomarnos un par de birras…”, mientras nos tomamos una juntos, la tarde va cayendo y el teatro se hace palabra entre ambos.


LIMA JAPON BONSAI

La escribió Mariano Tenconi Blanco a quien conocí cuando entrenábamos con Ricardo Bartís. Él me había convocado para su anterior obra que también dirigió, "Montevideo es mi futuro eterno" (centrado en el tema de la revolución de los Tupac Amarus) , de donde surge la idea del ciclo Canciones de Amor para hacer la Revolución. Ambas obras están conectadas por el tópico de "la Revolución", una historia de amor por delante y canciones, de manera fantástica pero con una carga ideológica. "Lima Japón Bonsái" es la segunda entrega del ciclo, que marca como eje histórico la toma de la embajada japonesa en Perú en manos de los Tupac Amarú en la época de Fujimori. La Revolución es la excusa para situar en tiempo y espacio una historia de amor que va por delante. Mi personaje es el del hermano de un revolucionario peruano que tiene la misión de seguir a la hija del embajador, la secuestra y luego se genera una historia de amor... Hay una mixtura de la cultura peruana y japonesa con lo kitsch y bizarro.


Secuestrador secuestrado

CZ: ¿Qué significa ésta obra para vos?

LR: Es una obra que amamos hacerla junto a mi compañera Yanina Gruden, además, tenemos el orgullo de que ha sido escrita para nosotros dos, ya que "Montevideo..." había sido inspirada por Mariano en honor a la historia de vida de su abuela, pero para "Lima..." no tenía referentes personales y él nos dijo que era un regalo para nosotros.

CZ: ¿Cómo transitas la conexión con Yanina Grunden, la coprotagonista de la obra?

LR: A Yanina la conocí también en el Sportivo Teatral. Me parece que es una actriz maravillosa, dotada de una energía desbordante, además de ser una bella mujer. Me da mucha confianza y seguridad trabajar con ella, porque sé que si me llegará a quedar nublado en alguna escena jamás me dejaría caer a un precipicio.



SHOPPING AND FUCKING

Voy a nombrar varias veces "Montevideo mi futuro eterno", porque en cierta manera fue esa obra la que me abrió las puertas para lo que vino luego. Allí lo conocí a Mariano Stolkiner que también formaba parte del elenco, intensificamos un vínculo de trabajo y amistad, y un día me dice que había tomado los derechos de “Shopping and fucking” del autor inglés Mark Ravenhill. Me propuso hacer la obra, se armó el elenco y estuvimos un año ensayándola. Se trata de una aguda sátira sobre ésta sociedad de consumo, la lucha interna de cada uno por pertenecer o no a ella y la manera en que el ser humano se va despersonalizando. Ravenhill muestra una objetivación muy descarnada de los sujetos sociales. Fue escrita en el año 1996, para algunos puede parecer muy de los noventa, pero sin embargo para mí esta muy vigente y sigue siendo un signo de estos tiempos, porque reafirma todo el tiempo lo que estamos viviendo y lo que pasa en relación a la sociedad en su conjunto y al individuo en particular. Es una obra muy cruda, y es la que más me cuesta hacer porque me traspasa en lo personal ya que es inevitable la re significación con lo que le sucede a mi personaje.


Jugada escena junto a Lucas Lagré

CZ: ¿Qué destacas de Stolkiner como director?

LR: Mariano Stolkiner es un tipo muy divertido e inteligente, nos conocimos trabajando a la par como actores y ahora confío mucho en su mirada direccional, algo que ya admiraba cuando hacíamos "Montevideo..." donde sus aportes siempre fueron muy atinados. Es un director que tiene muy claro lo que quiere aunque también es generoso en el intercambio con los actores. Creo que uno puede ser muy claro en lo que hace si se permite dudar en el proceso.

CZ: Con Lucas Lagré comparten el escenario en dos obras. ¿Qué valoración haces de él en lo laboral?

LR: Con Lucas nos conocimos haciendo la película “Piedras”, de otro gran amigo, Matías Marmorato, y ahora coincidimos en "Shopping..." y "Hundan al Belgrano". Como persona es maravilloso y como actor es increíble. Es un doble placer poder trabajar con alguien a quien queres tanto.


HUNDAN EL BELGRANO

Creo que es una obra imposible de hacer, que estamos haciendo. Steven Berkoff tiene una forma de escribir en verso que para un actor significa un gran desafío. El trabajo de la directora Claudia Marocchi es admirable ya que supo congeniar todas esas piezas y llevar adelante un proyecto con un elenco tan numeroso. Yo hago un doble personaje de marinero inglés y una personificación de la Razón. Son escenas de la obra donde se "relaja" un poco de lo dramático que se está contando, pero sin perder el objetivo que ellos son el cuerpo de lo que sucedió. No es un tema nuevo lo que estamos contando, cualquiera que sea argentino sabe de qué se trata, lo interesante de la obra es cómo se está contado. El texto plantea la mirada de un autor ingles sobre la Guerra de Malvinas realizando una sátira del gobierno de Margaret Thatcher en aquel contexto.


Un soldado provocador

CZ: ¿Cómo la ves a Monina Bonelli en la obra?

LC: En el momento que Monina me preguntó si me gustaría sumarme al elenco, le dije que lo que más me interesaba era la posibilidad de actuar con ella. Nos conocemos hace mucho tiempo, es una actriz a la que admiré siempre. Cuando leí la obra, también me pareció increíble la oportunidad para ella de poder explotar actoralmente con ese personaje de Amargas Cachas, y que finalmente se dio así, porque ella esta genial.



ELEVANDO EL EGO CON HUMILDAD

CZ: Hace poco asistimos a la primera fiesta para colaborar con la producción de "La verdad sobre la temporada de liebres", obra en proceso creativo, cuyo autor es Patricio Ruiz y que significará tu debut como director. ¿De qué manera se dio este nuevo rol en tu carrera?

LR: Mientras cursábamos con Mirta Bogdasarian un día nos propone trabajar sobre unos cuentos de Silvina Ocampo como disparadores creativos para preparar algunas escenas en el marco del taller. En ese momento me encontraba con muchos ensayos y dos obras en cartel, entonces le dije a Mirta que prefería mirar el proceso desde afuera. De golpe, ella advierte que estaba haciendo marcaciones y devoluciones al grupo como si fuera un director. Se hizo una muestra presentando los trabajos del grupo, y ese día Mirta me dice que el trabajo cubría todas las expectativas que se pretende en el Sportivo, pero que sería una pena que quedara solo en eso, y me aconseja que la saquemos afuera y la dirija. Esa noche lo hablamos con el grupo y todos me alentaron para que me decidiera.

CZ: ¿De qué trata la obra?

LR: Es un realismo, sobre la historia de una familia venida a menos en la escala social, una herencia que debe ser cobrada y una lisiada que de tan pobre ni siquiera tiene una silla de ruedas para llegar al banco. En el medio se tejen las miserias de una familia en torno a ese conflicto. Esta historia fue inspirada en "Las fotografías", un cuento de Silvina Ocampo, entrecruzando su poética con la de Patricio Ruiz más la improvisación del grupo de actores surgió "La verdad sobre la temporada de liebres".

CZ: ¿Quienes actúan y cuándo estrenan?

LR: Patricio Ruiz ("Michel") además de escribirla, también actúa junto a Yanina Gruden ("Lima Japón Bonsái"), Bárbara Masó, Kairiana Núñez Santaliz y Camila Vanore. Si todo sale bien estaremos estrenando en septiembre.

CZ: ¿Cómo te ves como director?

LC: Aprendiendo, a la par de los actores.

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LIMA JAPON BONSAI

Intérpretes: Luciano Ricio y Yanina Gruden
Dirección y dramaturgia: Mariano Tenconi Blanco
Teatro: Elefante Club de Teatro
Dirección: Guardia Vieja 4257
Reservas: 4861-2136
Funciones: Domingos 21hs


SHOPPING AND FUCKING



Intérpretes: Lucas Lagré, Daniel Toppino, Luciano Ricio, María Milessi y Alfredo Urquiza
Autor: Mark Ravenhill
Dirección: Mariano Stolkiner
Teatro: El Extranjero
Dirección: Valentín Gómez 3378
Reservas: 4962-7400
Funciones: Viernes 21hs


HUNDAN EL BELGRANO



Intérpretes: Monina Bonelli, Lucas Lagré, Luciano Ricio, Gastón Rodriguez, Estanislao Milicich, Alejandro Cop, Gonzalo Pastrana, Gustavo De Filpo, Carlos Cano
Autor: Steven Berkoff
Dirección: Claudia Marocchi
Teatro: Portón de Sánchez
Dirección: Sánchez de Bustamante 1034
Reservas: 4863-2848
Funciones: Sábados 23hs

# Agradecimiento a José Serrano por las fotografías de Luciano Ricio